Julius Sergius von Klever: успешный русский художник

Julius Sergius von Klever

Юлий Юльевич Клевер родился в 1850 году в старинном уютном прибалтийском Тарту, в то время называвшемся Дерптом, в семье магистра химии фон Клевера, немца по национальности. Родители серьезно отнеслись к его художественным способностям. И юный Юлий несколько лет брал уроки у видного дерптского живописца Карла Кюгельхена, достигнув немалых успехов. И вот он уже в Петербурге, в Академии художеств. Правда, по настоянию отца, считавшего профессию живописца не слишком серьезной, поступает в архитектурный класс.

Эмоциональный, импульсивный, Клевер быстро понял, что архитектура — не его стезя.

Через год он переводится в пейзажный класс под руководством профессора живописи Сократа Максимовича Воробьева. Но и здесь Клевер не нашел того, что искал. В то время в Академии художеств обучение искусству пейзажа сводилось лишь к освоению сочиненного, довольно холодного и размеренного академического жанра. Клевер же, увлеченный западной пленэрной живописью, хотел писать другие картины. Бросив мастерскую Воробьева, он переходит к академику М.К. Клодту, который тоже не оценил смелые замыслы молодого художника. В итоге Юлий, несмотря на полученные за этюды с натуры серебряные медали, покидает стены Академии.

«Я выхожу из числа учеников, — писал он в Дерпт обеспокоенным родным. – Поставил цель – развить свое дарование без помощи наставников, единственно работая с натуры».

И он действительно много работает. Ездит по окрестностям Петербурга, наблюдает, пробует, ищет свою тему. И уже вскоре к нему приходит первое признание. Полотно «Заброшенное кладбище зимой» покупает влиятельнейший граф П.С. Строганов, член Общества поощрения художеств; картину «Закат в лесу» приобретает президент Академии художеств великая княгиня Мария Николаевна. Окрыленный успехом в высших художественных кругах, 24-летний живописец организовывает свою персональную выставку. В то время это было делом необычным, на такое отваживались лишь признанные мэтры, например, И.К. Айвазовский. Выставка имела шумный успех, о молодом художнике заговорили.

Так всего за несколько лет Клевер прошел путь к вершинам профессионального признания, который другие художники преодолевали иногда не один десяток лет.

Заброшенное кладбище зимой

Клевер ни в чем не хотел быть похожим на официальных академических пейзажистов. В поисках новых сюжетов он едет на остров Нарген (ныне Найссаар), находящийся в Финском заливе. Там, почти без связи с материком жили эстонские рыбаки. Суровые виды острова, еще неведомые русской публике, покорили сердце художника. Воодушевленный необычной красотой, Клевер исполнил пять картин и множество этюдов, которые питали его творчество еще не один год.

Можно сказать, что именно на острове Нарген окончательно оформился своеобразный стиль мастера, снискавший у публики широкое признание. Пейзажи Клевера отличает композиционная четкость, ясность и простота.

Художник предпочитает сюжеты не эпические, грандиозные, а уютные, собранные на сравнительно небольших холстах. Он тонко чувствует цвет и свет, умеет перенести на картинную плоскость тающую световоздушную перспективу. Его живописная манера свободна и уверенна. В картинах Клевера царят покой и молчаливая созерцательность. Маленькие рыбацкие домики, лодки, покачивающиеся на зеркальной глади вод, сети, вывешенные на жердях для просушки. На первом плане – огромные шершавые валуны, принесенные сюда еще в доисторические времена ледником с территории, которая сегодня именуется Скандинавией.

Девственный лес. 1880

Поездка на север пробудила у художника интерес к лесному пейзажу. Балтийские острова издавна славились древними густыми лесами, и Найссаар до сих пор покрыт ими почти наполовину. Не случайно одна из лучших работ Клевера этого времени называется «Девственный лес» (1880). Ее сразу с выставки приобрел знаменитый московский собиратель Павел Михайлович Третьяков. Могучие, не тронутые человеком столетние деревья стоят, утопая в сырой, покрытой мхом земле. Неба почти не видно: деревья не пропускают солнечные лучи, — и только в глубине тоненькой полоской просвечивает светлая полянка. Величественная ель на первом плане своими сильными корнями, точно морское чудовище щупальцами, цепляется за землю, силясь устоять против подмывающего ее болота. Это дерево, словно сказочный великан, стоит на страже, преграждая путь всякому в свое царство лесной глуши.

Все были восхищены упорством и талантом живописца Клевера. О нем говорили в салонах, частных картинных галереях. Картину «Березовый лес» приобрел Александр III. Это было очередной ступенью вверх для художника — покупка картины царем мгновенно решила его судьбу. Ему, не кончившему академического курса, присвоили звание классного художника первой степени.

Березовый лес. 1891

В 1878 году Юлию Юльевичу было присвоено звание академика за картину «Старый парк». Это свою работу художник считал особенной, счастливой и неоднократно его повторял. Позже картину отправили на Международную выставку в Париж. Художник буквально купался в лучах собственной славы. Академия художеств присвоила Клеверу звание профессора за картину «Лесная глушь» и предоставила ему в своем здании квартиру и мастерскую.

Старый парк

К тому времени художник уже был не один, в свою квартиру они переехали вместе с молодой женой. В тридцать один год художник достиг всего, что в ту эпоху было возможно для пейзажиста. Отныне для состоятельных людей считалось дурным тоном не иметь картин Клевера.

Произведения Клевера знала и любила вся Россия. Пейзажи художника пользовались широчайшей известностью. Репродукций с его картин раскупались по всей стране.

Несколько лет художник провел в Германии. Там у него проходили выставки. Семья Клеверов вернулась в Россию в 1915 году. Художник философски воспринимал бурные российские события, о прошлых днях вспоминал с улыбкой.

В последние годы Клевер жил в Петрограде, преподавал в художественном училище. Продолжал писать до самой смерти. После революции 1917 года его, как и других, поддерживало Общество художников имени А.И. Куинджи.

Умер Юлий Юльевич 4 декабря 1924 года.

*Используемая литература: Шестемиров А. Забытые имена. Русская живопись XIX века. — М., 2008.

Длительность занятия для детей

Если вы сами любите рисовать, постарайтесь сразу не затягивать по времени детское занятие по живописи, чтобы ребёнок не переутомился и в итоге не потерял интерес к рисованию.

Для каждого ребёнка оптимально свое время: кому-то достаточно всего 15 минут, а кто-то может и 2 часа провести с кистью в руках. Учитывайте настроение, ведь если ребёнок не настроен рисовать, то о творчестве не может быть и речи.

В среднем, ребёнок 6 лет может провести за рисованием примерно 1 час 20 минут. Более длительное занятие переутомляет, внимание рассеивается, хочется подвигаться, уже нет того запала, которое было в сначала, и ребёнку хочется поскорее закончить, чтобы заняться чем-то другим.

Здесь же имеет значение, в какой форме проводится занятие, потому что при использовании легкой, игровой подачи, как на уроках с Ульяной Глазковой, время пролетает быстро. Важен доброжелательный настрой взрослого, который знакомит ребёнка с живописью. Если родитель или преподаватель слишком строг и серьёзен, то и 15 минут такого занятия будет много.

На длительность занятия влияет и правильно организованное рабочее место. Очень удобен небольшой мольберт, который можно поставить на стол. При этом ребёнок сможет и сидеть и стоять, занимаясь картиной. В любом случае лучше наклонная поверхность. Если же такой поверхности нет, то предпочтительнее за столом рисовать стоя, что более полезно для осанки.

Комфортное рабочее место способствует правильному настрою и быстро не утомляет.

3 типа заданий в живописи для детей

Когда мы только начинаем рисовать сами или приучаем к этому ребёнка, стоит понимать цель рисования. Помимо развития тех навыков, о которых мы уже рассказывали, отдельно стоит выделить главную цель, которая состоит в том, чтобы научиться видеть цвет, развить цветовое восприятие и с его помощью выражать себя на холсте, бумаге.

Типы заданий во время занятий живописью:

1. Задания на развитие интереса к восприятию, а также наблюдению и запоминанию качеств цвета.

Мир полон цветов, но мы часто используем названия только самых привычных. Между тем, синий может быть и ярко-синим, и небесно-голубым, и ультрамариновым и т.д. Вот такие нюансы стоит учиться различать нам и обучать этому наших детей. Стимулируйте ребёнка к поиску названия для цвета, цвет может быть бархатистым, нежным, агрессивным, таинственным. В названии цвета может быть отражение настроения, напоминание вкуса продукта (лимонный, шоколадный, персиковый), ощущения при прикосновении к предмету.

2. Задания, в ходе которых изучаются средства художественного выражения.

Здесь мы знакомим детей с красками, кистями, палитрой, бумагой, холстом. Каждый раз, когда вы вместе открываете коробочку или тюбик с краской, вы открываете волшебный мир, где с помощью разных средств можно создать что угодно.

С самого начала учите ребёнка пользоваться готовым цветом, а затем начинайте знакомство с палитрой и смешением цветов для получения всевозможных оттенков. Развивайте свою руку и руку ребёнка, чтобы с каждым разом мазок становился более уверенным и совершенным. Кроме того, стоит помнить, что ребёнок примерно до 7 лет не чувствует формата листа, поэтому за тем, как располагается рисунок, должен следить взрослый. Обращайте внимание на то, чтобы одна часть листа не была перегружена, в то время как вторая пустует.

3. Задания, направленные на знакомство с жанрами живописи.

С помощью таких занятий знакомим детей с портретом, натюрмортом, пейзажем, пробуем рисовать анималистические, бытовые, сказочно-фантастические картины. Следите за тем, что нравится рисовать ребёнку больше всего. Кто-то любит крупно изображать животных и людей, другой отдает предпочтение природе. Знакомьте ребёнка с разными жанрами, но и не заставляйте рисовать дом, если он настроен на мамин портрет. Психологический комфорт гораздо важнее.

Надежда Ильина: влияние времени на живопись

C ВАМИ НАДЕЖДА ИЛЬИНА!

И сегодня я хочу поговорить о влиянии времени на живопись. Готовясь к вебинарам и онлайн курсам, я повторяю много материала по истории искусства и это захватывающе – видеть, как связаны направления живописи сквозь столетия.

Удивительно, ведь если бы однажды не додумались изобрести такую привычную нам сейчас вещь как «тюбик»,  масляные краски никогда бы не смогли «уйти» далеко от студии и не зародился бы, возможно, такой жанр как импрессионизм. Развитие технологий и темп времени влияют на все аспекты нашей жизни, на все области деятельности человека, в том числе, и на живопись.

Мы счастливцы, если задуматься, сейчас у нас есть возможность вобрать в себя весь опыт прошлого и при этом использовать современные технологии, начиная от способа переноса рисунка на холст и заканчивая выбором метода обучения. Конечно, ничто не заменит живого общения на мастер-классе, но, если нет возможности присутствовать лично, теперь возможны встречи в Сети, на вебинарах в режиме реального времени! Могли ли представить себе такое мастера прошлого!?

Новые техники в сочетании с классической базой дают уникальные возможности, например, вы уже знаете, как можно облегчить этап «гризайль» с помощью моей авторской техники жидкого масла и при этом соблюсти главный принцип фламандской школы – сохранить естественную белизну холста, без долгой и изнурительной оттушевки.

Новые технологии подарили нам цифровые фотографии, а они, в свою очередь, дали новый виток реализму в живописи, и на свет появился «гиперреализм», поражающий своей техничной проработкой деталей. На контрасте современных и классических направлений живопись удивляет своим многообразием и главное, что все это мы с вами можем позволить себе изучать и пробовать на практике уже сейчас!

Приглашаю на свой ближайший онлайн мастер-класс «Учимся писать гиперреализм», который состоится 15 и 22 мая. Регистрация по ссылке — http://online.jivopismaslom.ru/

Ваша Надежда Ильина.