БЫТЬ В ТВОРЧЕСКОМ ПОТОКЕ

Поговорим о том, почему некоторые не решаются начать рисовать, а те, кто уже рисуют, боятся экспериментировать с новыми направлениями.

Некоторые люди откладывают занятия творчеством на какой-то другой период своей жизни. Кто-то считает себя слишком молодым, кто-то думает, что уже поздно и у него ничего не получится.

Для творчества необходима некая доля сумасшествия. А как раз сумасшедшими мы не хотим казаться. Мы часто оглядываемся на других людей и их мнение о нас и нашей жизни, нам не хватает смелости переступить через это и заняться тем, к чему лежит душа.

Творчеством занимаются в момент настоящего, и этот момент не имеет времени. Даже самый пожилой художник в момент творчества чувствует себя ребенком, счастливым и открытым. Важно, что он живет здесь и сейчас, ощущает именно это мгновение и находится в творческом потоке.

Но не только у тех, кто хочет начать, есть отговорки и опасения.

Художник, который испытывает творческий кризис, видит год как целую вечность, потому что не решается сделать шаг навстречу творческим странствиям, приступить к делу. И потому все путешествие кажется ему безгранично долгим. Может быть, оно действительно такое долгое, но когда мы фокусируемся не на продолжительности пути, а просто проводим каждый день в движении и это движение ведет нас к завершению творческой цели, то мы получаем удовольствие от всего пути.

Не стоит сосредотачиваться на мастерстве, которое уже достигнуто и на уже написанной картине. Важен не окончательный достигнутый результат, а процесс целиком.

В каком-то смысле научиться писать картины невозможно никогда, потому что всегда есть чему учиться и что узнавать: техники, приемы, стили. И готовая работа – это часть пути к более высокому уровню мастерства.

Практикующим художникам порой хочется поэкспериментировать, но они не знают, куда этот эксперимент приведет их, а потому эксперименты могут откладываться годами ради желания предоставить законченный результат как доказательство своих усилий. Оглядка на такие доказательства для окружающих загоняют художника в тупик.

Не стоит ставить себе жесткие рамки и привязываться лишь к результату. Иногда нужно стать экспериментатором, новичком в чем-то, чтобы выйти на новый уровень мастерства.

И кстати, новичком быть всегда полезно, потому что открытость, желание узнать ведут к поиску нового и в итоге – к достижением.

Главное сделать – первый шаг, и у каждого он свой.

Что мы можем позаимствовать у Леонардо да Винчи

У всех на слуху имя Леонардо да Винчи, он ассоциируется с достижениями и открытиями.

С самого детства будущий художник, изобретатель, музыкант не расставался со своей записной книжкой, много времени он проводил на природе, наблюдая и замечая мелкие нюансы. Он делал беглые зарисовки холмов, деревьев, людей и животных.

Леонардо сам писал, что «в наставницы взял себе природу, учительницу всех учителей». Именно его желание и умение наблюдать позволяло ему ярко передавать то, что не получалось у других.

Великий художник с детства был открыт многим наукам. Он за короткие сроки достиг хороших знаний в математике и своими вопросами ставил в тупик преподавателей. Юный Леонардо изучал музыкальное искусство и пение. Но, несмотря на разносторонность его интересов, излюбленными занятиями, которые он никогда не бросал, были рисование и лепка.

К тому же, да Винчи был обучен рыцарским искусствам и приятен в общении, это отмечали современники художника. Он любил животных и, если ему случалось идти по местам, где торговали птицами, Леонардо платил требуемую сумму, своими руками доставал птиц из клеток и отпускал их на волю.

Он был дотошен во всем, с чем начинал работать.

Чтобы изучить выражение чувств и страстей человека, посещал многолюдные места, наблюдал и делал записи и зарисовки всего, что видел. Леонардо провожал преступников к месту казни, чтобы запечатлеть в памяти выражение крайнего отчаяния и мук. Он приглашал к себе домой крестьян, рассказывал им смешные истории, тем самым срисовывая образы комического выражения лиц.

Работал Леонардо достаточно медленно, обращая внимание на мелкие детали. При работе над картиной, скульптурой, чертежом, он всегда ставил высокие планки, полностью погружался в творческий процесс.

Его желание творить, наблюдательность и дотошность, привычку делать зарисовки стоит взять на вооружение любому художнику. А любовь к людям и животным, вежливость и дружелюбие – каждому человеку.

Надежда Ильина рассказывает о фламандском методе живописи…

Сегодня я хочу более подробно рассказать Вам о фламандском методе живописи, который мы совсем недавно изучали в 1-ой серии моего курса «Тайные знания старых мастеров», а также хочется показать Вам небольшой отчёт о результатах и самом процессе нашего онлайн обучения.

На курсе я рассказала о старинных методах живописи, о грунтовках, лаках и красках, раскрыла множество секретов, которые мы применили на практике — написали натюрморт по мотивам творчества малых голландцев. С самого начала мы вели работу, учитывая все нюансы фламандской техники живописи.

Этот метод пришёл на смену темпере, которой писали до этого. Считается, что, как и основы масляной живописи, метод был разработан фламандским художником раннего Возрождения — Ян Ван-Эйком. Отсюда начинает вести свою историю живопись маслом.

Итак. Это метод живописи, которым, по словам Ван-Мандера, пользовались живописцы Фландрии: Ван-Эйки, Дюрер, Лука Лейденский и Питер Брейгель. Метод заключается в следующем: на белый и гладко отшлифованный клеевой грунт переводился припорохом или иным способом рисунок, который исполнялся предварительно в натуральную величину картины отдельно на бумаге («картон»), так как рисовать непосредственно на грунте избегали, чтобы не нарушить его белизны, игравшей большое значение во фламандской живописи.

Затем рисунок оттушевывался прозрачной коричневой таким образом, чтобы грунт просвечивал через неё.

Названная тушёвка производилась либо темперой и тогда это делалось наподобие гравюры, штрихами, либо масляной краской, при этом работа выполнялась с максимальной тщательностью и уже в этом виде представляла собой художественное произведение.

По оттушёванному масляной краской рисунку, после высыхания писали и заканчивали живопись либо в холодных полутонах, затем добавляя тёплые, (которые ван-Мандер называет «Мёртвыми тонами»), либо заканчивали работу цветными лессировками, в один приём, полукорпусно, оставляя просвечивать коричневую подготовку в полутонах и тенях. Мы использовали именно этот метод.

Краски фламандцы всегда наносили тонким и ровным слоем, чтобы использовать просвечивание белого грунта и получить гладкую поверхность, по которой, при надобности, можно было бы лессировать ещё много раз.

С развитием живописного мастерства художников вышеописанные методы претерпевали некоторые изменения или упрощения, каждый художник использовал немного отличный от других, свой способ.

Но основа долгое время оставалась та же: живопись у фламандцев всегда выполнялась по белому клеевому грунту, (который не втягивал масла из красок), тонким слоем красок, наносившимся таким образом, чтобы в создании общего живописного эффекта принимали участие не только все слои живописи, но и белый грунт, являвшийся как бы источником света, освещающим картину изнутри.

 

Вот так проходил наш курс «Тайные знания старых мастеров» 

Хочется поделиться с Вами видео-отчетом о прошедшем курсе. За 2 недели мы написали настоящий классический натюрморт, по методике малых голландцев. Спасибо всем, кто принял участие в курсе!

Ваша Надежда Ильина.

 3 ТЕХНИКИ МАСЛЯНОЙ ЖИВОПИСИ

Наступает момент, когда перед художником встает вопрос: какими техническими средствами решить ту или иную изобразительную задачу.

Пастозные, кроющие краски

Пастозная краска – это густая, едва стекающая цветная паста. Большинство пигментов от природы имеют кроющие способности, они поглощают свет и рефлексируют его. Свет не просвечивает сквозь них.
Способ действия: наносимые масляные краски некоторое время должны полежать на палитре, пока они не «загустеют».

Задачи краски: немного, лишь самое необходимое количество связывающих веществ переработать с большим количеством пигмента. Масляные краски из туб можно обогатить пигментом. Добавление связывающих веществ: связывающие вещества нужно загустить. В краску добавляются масла. При смешивании будьте осторожны, не набирайте слишком много краски! В противном случае вскоре появится замутненный, грязный однородный цвет.

При письме пастозной краской нельзя наносить краску слишком густо, иначе очень быстро появится цветовая однородная «каша», что вряд ли удастся исправить. Кисточку по мере необходимости следует очищать. Промежуточные тона можно смешивать непосредственно на поверхности картины, но при этом опять же работать очень аккуратно и не торопиться. Как правило, пастозными красками ставят «пятно рядом с пятном». Осветление или притемнение проще всего осуществлять с помощью белой и черной краски (но не берите чистые свинцовые белила или кроющие белила, они темнеют). Более изысканно в живописном отношении добиваться затемнения или преломления красок не с помощью черной краски, а с помощью дополнительных цветов, например, зеленой окиси хрома или краплака или умбры, добавленных в небольшом количестве в ультрамарин. Таким образом, появляются глубокие, однако цветные и очень четкие темные тона.

Записаться на живой мастер-класс к Ольге Базановой

Живопись «алла прима»

Означает спонтанную живопись пастозной краской. Картина готова после первого сеанса. Предпосылкой для этого служит уверенность художника и его опыт обхождения с красками. Краски в основном смешиваются на палитре, где кажутся свежими и светящимися. Во время письма на пленэре, при спонтанной живописной передаче это очень подходящий способ работы. Краски кладутся щетинными кистями. В качестве полотна хорошо подходит грубоструктурированный холст, но также и картон. Нанесение красок в живописи «алла прима» создает типичную компактную, иногда рельефную структуру. Ее можно «затушевать» растирая или «размывая» участки контуров. При этом слои красок легко растирают сухой, мягкой кистью из коровьего волоса. Края цветов и контуров таким образом становятся более мягкими и кажутся чуть «расплывчатыми». Этот способ еще называют «сфумато» («с размытыми контурами»).

Техника работы шпателем

Техника работы шпателем – вариант живописи «алла прима». С помощью монохромного подмалевка закладывают основную структуру картины, затем эластичным мастихином кладут краску пастозным способом пятно рядом с пятном. В отличии от белых рельефов здесь можно нанести блики света на чуть подсохшую краску.

Интенсив Теория+Практика по воскресеньям. Ольга Базанова.